Historia de la Galería Borghese

La Galería Borghese, ubicada en la Villa Borghese Pinciana, es uno de los lugares más emblemáticos del patrimonio artístico y cultural de Roma. Su historia abarca varias etapas: desde la fundación de la colección privada del Cardenal Scipione Borghese y el periodo barroco en el que la villa se convirtió en un escenario para el arte y la arquitectura del Seiscientos, hasta su transición a museo estatal y las restauraciones y modernizaciones de las últimas décadas.

Fundación y periodo barroco

Los orígenes de la colección

A comienzos del siglo XVII, el Cardenal Scipione Borghese —sobrino del papa Pablo V— comenzó a reunir una colección de obras de arte que pronto se convertiría en una de las más prestigiosas del mundo. Su gusto refinado y su visión innovadora posibilitaron la adquisición de obras maestras del Renacimiento y del Barroco —desde Caravaggio y Tiziano hasta Bernini— dando origen a un conjunto que, desde su creación, simbolizaba la excelencia artística y el poder de mecenazgo de la familia Borghese.

La construcción de la villa

Paralelamente al desarrollo de la colección, en 1607 la familia Borghese decidió edificar una villa en la colina del Pincio, al norte de Roma. El proyecto, inicialmente a cargo de Flaminio Ponzio y posteriormente finalizado por Giovanni Vasanzio, se concibió para exhibir las obras de arte en un espacio de elegancia y armonía arquitectónica. Con referencias inspiradas en villas italianas renacentistas (como la Villa Medici y la Villa Farnesina), incluyó un gran pórtico y una terraza ricamente decorada, creando un lugar donde el arte y la naturaleza dialogan de forma excepcional.

La época barroca

Con la consolidación del Barroco, la villa y su colección se convirtieron en símbolos del dinamismo artístico romano. El gusto barroco, caracterizado por su expresividad desbordante y su cuidadosa atención al detalle decorativo, encontró plena realización tanto en las obras adquiridas —por ejemplo, las esculturas monumentales de Bernini— como en las intervenciones arquitectónicas y ornamentales que enriquecieron el edificio. En este contexto, la Galería Borghese no solo era un depósito de obras, sino un espacio vivo, donde la disposición de los ambientes, los acabados y la luz contribuían a generar una visión de conjunto de la magnificencia artística.

La conversión en museo

Adquisición por parte del Estado y apertura al público

En 1891, todas las obras de arte custodiadas en las doce salas de la pinacoteca de Palazzo Borghese en Via Ripetta fueron transferidas a la planta noble de la Villa Borghese Pinciana, preparando el camino para su transformación en un museo. En 1902, tras la adquisición por parte del Estado italiano de los bienes que formaban parte del Fideicomiso Borghese, la Galería Borghese se convirtió oficialmente en un museo público.
La negociación para llevar a cabo este traslado fue extensa y compleja, a menudo conocida como “el negocio del siglo”. Se compraron la villa y los jardines por 3,6 millones de liras, una cifra que, pese a no ser elevada, permitió conservar intacto el valioso patrimonio artístico.

Los primeros directores y la organización del museo

El primer director de la Galería fue Giovanni Piancastelli (1845–1926), seguido en 1906 por Giulio Cantalamessa, quien anteriormente había dirigido las Galerías de la Academia de Venecia. Estas decisiones organizativas contribuyeron a forjar la reputación de la Galería como institución de prestigio, abierta al público y dedicada a la conservación y difusión del arte.

Restauraciones y renovaciones

Durante el siglo XX, la Galería Borghese se sometió a numerosos trabajos de restauración para preservar tanto el edificio como las obras de arte. En 1983, el museo cerró para acometer una restauración completa que se prolongó por catorce años, permitiendo restituir el aspecto original de los estucos, las estatuas y la histórica escalera de dos tramos. La reapertura tuvo lugar en junio de 1997, recuperando el prestigio y la funcionalidad de épocas pasadas.
En 2013, la Galería Borghese fue el noveno museo estatal italiano más visitado, con casi 500.000 visitantes, evidenciando el continuo interés mundial por el legado Borghese. En 2015, el ministro de Bienes y Actividades Culturales y Turismo, Dario Franceschini, nombró a Anna Coliva directora de la Galería, y desde noviembre de 2020 la dirección recae en Francesca Cappelletti. Estos cambios institucionales han reforzado la gestión y la promoción del museo, garantizando la continua valoración tanto de la colección como del edificio.

El museo

La Galería Borghese es un museo que exhibe una extraordinaria colección de arte renacentista, barroco y neoclásico en un entorno ricamente decorado. Las obras, cuidadosamente seleccionadas y organizadas temáticamente, se distribuyen en salas que, cada cual a su manera, realzan la belleza e importancia histórica de las piezas expuestas. A continuación se presenta un recorrido expositivo que no solo destaca la excelencia artística de las obras, sino que también relata la historia del arte a través de los siglos.

Recorrido Expositivo

Las salas de la Galería Borghese se han dispuesto para crear una narración: cada sala posee su identidad propia, definida por un tema y por las obras que alberga. A continuación, una vista detallada de las 20 salas que componen el museo.

Pórtico y Sala de Entrada (Salón de Mariano Rossi)

Este espacio introductorio sumerge al visitante en el mundo clásico. El entorno está decorado con bustos de emperadores romanos, un majestuoso mosaico que representa luchas de gladiadores y una estatua colosal de Baco como pieza central.

Obras representativas: bustos clásicos, mosaico de luchas y estatua colosal de Baco.

Sala I (de Paolina)

Conocida antes como la “Sala del Vaso,” destaca por sus relieves decorativos de los siglos XVIII y XIX. Su pieza principal es la escultura neoclásica en mármol de Antonio Canova, «Paulina Borghese como Venus Victrix», complementada con frescos en la bóveda sobre “Historias de Venus y Eneas.”

Obra destacada:

• Paulina Borghese como Venus Victrix (Canova)

Sala II (de David)

También llamada “Sala del Sole,” exhibe en el centro el David de Bernini. El techo se adorna con el fresco «La caída de Faetón» de Francesco Caccianiga, inspirado en las Metamorfosis de Ovidio.

Obras representativas:

• David (Bernini)
• Fresco «La caída de Faetón» (Caccianiga)

Sala III (de Apolo y Dafne)

En esta sala se encuentra la famosa escultura «Apolo y Dafne» de Bernini. Un techo decorado con motivos que armonizan con la obra y otras piezas helenísticas y romanas enmarcan el diálogo entre mito y arte.

Obra principal:

• Apolo y Dafne (Bernini)

Sala IV (de los Emperadores)

Con un suntuoso repertorio de estucos, mármoles y pinturas, la sala se centra en la representación de bustos de emperadores romanos. Entre las obras más relevantes sobresale «El rapto de Proserpina» de Bernini, acompañado de la copia de la «Artemisa Borghese».

Obra principal:

• El rapto de Proserpina (Bernini)

Sala V (del Hermafrodita)

Aquí se expone el célebre «Hermafrodita durmiente», escultura que ejemplifica la belleza de las formas mixtas. Además, un mosaico representando la pesca alude a la vida cotidiana de la antigua Roma, completando la atmósfera de la sala.

Obras representativas:

• Hermafrodita durmiente
• Mosaico sobre pesca

Sala VI (de Eneas y Anquises)

Esta sala exhibe la escultura «Eneas, Anquises y Ascanio» de Bernini, que profundiza en la pietas y los lazos familiares, caracterizada por la intensidad dramática propia de la escultura barroca.

Obra destacada:

• «Eneas, Anquises y Ascanio» (Bernini)

Sala VII (Egipcia)

Una conexión visual con el Egipto antiguo se plasma aquí mediante un intrincado mosaico del siglo II, junto a esculturas como el «Sátiro sobre delfín». El entorno exhibe el diálogo entre el arte romano y la cultura egipcia.

Obras representativas:

• Mosaico egipcio (siglo II)
• Sátiro sobre delfín

Sala VIII (del Sileno)

Consagrada a Caravaggio, esta sala reúne importantes cuadros de fuerte carga narrativa. Sobresalen «David con la cabeza de Goliat» y «Muchacho con canasta de frutas», ejemplos de la revolucionaria técnica del claroscuro del artista.

Obra principal:

• David con la cabeza de Goliat (Caravaggio)

Sala IX (de Dido)

Esta sala resalta la pintura renacentista italiana, con obras de Botticelli, Pinturicchio y Rafael, revelando la evolución pictórica en Umbría y Toscana y abarcando cambios temáticos y técnicos del Renacimiento.

Obras representativas:

• Selección renacentista (Botticelli, Pinturicchio, Rafael)

Sala X (de Hércules)

En esta sala se enaltecen las hazañas del héroe Hércules. Presenta pinturas manieristas de Parmigianino y Correggio, así como esculturas alegóricas, incluyendo la «Alegoría del Sueño» de Alessandro Algardi, que abordan el mito con dramatismo.

Obras representativas:

• Pinturas manieristas sobre Hércules
• «Alegoría del Sueño» (Algardi)

Sala XI (de la Pintura de Ferrara)

Esta sala resalta la influencia de la escuela de Ferrara a través de obras de Mazzolino y Garofalo, que plasman la dinámica cultural y artística de la ciudad, especialmente después de su anexión a los Estados Pontificios.

Obras representativas:

• Obras de la escuela de Ferrara (Mazzolino, Garofalo)

Sala XII (de las Ménades)

Enfocada en el arte del primer Cinquecento en el área lombardo-veneciana, muestra piezas de Lorenzo Lotto y Sodoma. Las obras exploran temas de misticismo y religiosidad propios de la pintura de la época.

Obras representativas:

• Selección de inicios del siglo XVI (Lotto, Sodoma)

Sala XIII (de la Fama)

Pequeña pero de gran efecto, esta sala está adornada con la «Alegoría de la Fama» y reúne obras de maestros boloñeses, resaltando la importancia del prestigio y el renombre en el arte del siglo XV.

Obra principal:

• «Alegoría de la Fama»

Sala XIV (Logia de Lanfranco)

Originalmente pensada como logia abierta, hoy esta sala expone el fresco «Consejo de los Dioses» de Lanfranco, junto a esculturas de Bernini. Conjugan la grandeza mitológica y artística que atraviesa distintas épocas.

Obras representativas:

• «Consejo de los Dioses» (Lanfranco)
• Esculturas de Bernini

Sala XV (de la Aurora)

Presenta pinturas que ilustran la evolución del manierismo en Italia. Destaca «La última cena» de Bassano, junto a pinturas de Dosso Dossi, evocando la emergencia de una nueva luz en el panorama artístico.

Obras representativas:

• «La última cena» (Bassano)
• Obras de Dosso Dossi

Sala XVI (de Flora)

Consagrada a la diosa Flora, la sala investiga el tema de la naturaleza y su hermosura. Mediante obras de Marcello Venusti y Pellegrino Tibaldi, el Renacimiento se reinterpreta desde una perspectiva mitológica, destacando la fertilidad y la riqueza natural.

Obras representativas:

• Obras alusivas a Flora (Venusti, Tibaldi)

Sala XVII (del Conde de Angers)

Contiene pinturas del siglo XVII con marcada influencia flamenca y holandesa. Refleja los contactos culturales entre Italia y Europa septentrional a lo largo de esa etapa.

Obras representativas:

• Selección del siglo XVII: pintura flamenca y holandesa

Sala XVIII (de Júpiter y Antíope)

Dedicada al Barroco flamenco, esta sala exhibe obras como «Susana y los viejos» de Rubens, contrastando la inocencia con la corrupción terrenal. Su paleta viva y composición enérgica encarnan la esencia del Barroco, transformando temas religiosos en intensas experiencias visuales.

Obra principal:

• «Susana y los viejos» (Rubens)

Sala XIX (de Helena y París)

Con historias de la epopeya troyana como trasfondo, la sala reúne obras de Domenichino y Barocci que se centran en la relación amorosa y trágica de la mitología griega.

Obras representativas:

• Selección alusiva a Troya (Domenichino, Barocci)

Sala XX (de Cupido y Psique)

Rinde homenaje a la relación de Eros y Psique a través de cuadros de maestros venecianos como Giorgione, Tiziano, Veronés y Bellini. El recorrido finaliza con el célebre «Amor sacro y amor profano» de Tiziano, símbolo de la dualidad eterna del amor.

Obra principal:

• Amor sacro y amor profano (Tiziano)

Obras Destacadas

Además de las colecciones distribuidas en las diferentes salas, la Galería Borghese alberga algunas de las obras más emblemáticas del arte occidental. Estas creaciones configuran el núcleo de su acervo y resultan esenciales para entender la evolución artística del Renacimiento al Neoclasicismo.

Apollo y Dafne (Gian Lorenzo Bernini, 1622–1625) – Sala III

Escultura monumental en mármol que plasma el mito de Apolo y Dafne justo en el instante en que la ninfa se transforma en laurel para escapar del dios. Celebrada por su capacidad de transmitir en piedra el movimiento y la metamorfosis, se considera un hito del Barroco y la cumbre de la producción de Bernini.

David con la cabeza de Goliat (Caravaggio, 1609–1610) – Sala VIII

Óleo que representa al héroe bíblico David tras haber vencido a Goliat. Caravaggio aplica su claroscuro de manera revolucionaria para acentuar la tensión y la fuerza, simbolizando con ello su innovación pictórica.

Paulina Borghese como Venus Victrix (Antonio Canova, ca. 1800) – Sala I

Escultura neoclásica en mármol donde Canova idealiza a Paulina Borghese como la diosa Venus. La pieza exalta la belleza ideal mediante formas armoniosas y proporciones perfectas, demostrando la exquisita sensibilidad y la técnica escultórica que hicieron de Canova uno de los grandes maestros de su tiempo.

La Deposición (Peter Paul Rubens, 1601) – Sala XVIII

Un óleo que retrata el solemne acto de descender el cuerpo de Cristo de la cruz. Rubens emplea pinceladas vigorosas y una paleta intensa para conferir dramatismo y emoción a la escena, ejemplo supremo de la fuerza del Barroco y su habilidad para elevar lo sagrado a una experiencia visual inmersiva.

Amor sacro y amor profano (Tiziano, 1513) – Sala XX

Una de las piezas más famosas de Tiziano, este óleo explora la dualidad entre el amor espiritual y el terreno. Su composición, llena de símbolos y colores vibrantes, combina el refinamiento de la pintura veneciana con una reflexiva mirada a la naturaleza conflictiva de los sentimientos humanos.

San Domingo (Tiziano, ca. 1565) – Sala XX

Óleo en el que Tiziano representa a San Domingo con una presencia imponente y carismática. La calidez cromática y la riqueza en detalles impregnan la obra de una profunda espiritualidad, mientras que el retrato muestra la grandeza y la determinación del santo, característica de la maestría renacentista de Tiziano.

La Virgen con el Niño (Giovanni Bellini, ca. 1510) – Sala IX

Un óleo sobre tabla donde se retrata a la Virgen con el Niño, representativo del Renacimiento veneciano. Bellini maneja con sutileza los colores y el detalle, generando una atmósfera sosegada que transmite la naturaleza sagrada y la elegancia de la escena.

El rapto de Proserpina (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1621) – Sala IV

Escultura en mármol considerada una obra maestra, que muestra el rapto de Proserpina a manos de Plutón. Bernini convierte la piedra en una historia con movimiento: la acción intensa y la delicadeza formal se funden en un drama visual de gran poder emotivo.

David (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1623) – Sala II

Esta escultura de mármol retrata al héroe bíblico David antes de enfrentarse resueltamente a Goliat. La tensión muscular y la fuerza expresada caracterizan la brillantez barroca de Bernini, realzando la determinación y la vitalidad del protagonista.

Eneas, Anquises y Ascanio (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1617) – Sala VI

Grupo escultórico en mármol que celebra los lazos familiares y la virtus romana de la pietas, retratando a Eneas junto a su padre Anquises y el joven Ascanio. Su composición fluida y las expresiones de los personajes irradian heroísmo y devoción filial, reinterpretado con el sello del Barroco.

Deposición Baglioni (Rafael, ca. 1507) – Sala IX

Un óleo que representa el dramático descenso de Baglioni, equilibrado en la composición y con un uso magistral de la luz. Encierra el pathos y la delicadeza propios del Renacimiento, testimonio de la capacidad de Rafael para expresar emociones profundas a través de la pintura.

Dama con unicornio (Rafael, ca. 1506) – Sala IX

Óleo en el que una noble aparece con un unicornio, símbolo de pureza y misterio. La disposición elegante y la paleta sutil otorgan una atmósfera hechizante, manifestando la importancia simbólica y la calidad artística característica de Rafael.

Retrato viril (Rafael, 1503–1504) – Sala IX

En este óleo, Rafael representa a un joven, realzando su fortaleza, nobleza y gracia. Logra fusionar una composición equilibrada con un manejo delicado de la iluminación, generando un retrato que encarna el ideal de belleza masculina del Renacimiento.

La prédica de San Juan Bautista (Paolo Veronés, ca. 1562) – Sala XV

Amplio óleo sobre lienzo que retrata al santo en pleno sermón. La escena, poblada de personajes y colores vivos, comunica la fuerza de la palabra sagrada y la presencia de San Juan, testimonio de la habilidad de Veronés para transformar motivos religiosos en grandes composiciones.

Sermón de San Antonio a los peces (Paolo Veronés, 1580–1585) – Sala XV

Óleo sobre lienzo que expone a San Antonio predicando a los peces, escena de inusual contenido. Su composición dinámica y su luminosa paleta evidencian la innovación de Veronés, que integra elementos sagrados y maravillosos en un relato cautivador.

Susana y los viejos (Peter Paul Rubens, 1607) – Sala XVIII

Una pintura al óleo que narra la historia bíblica de Susana, reflejando la tensión entre su inocencia y el asedio de los ancianos. El vibrante colorido y la disposición de las figuras confieren gran fuerza emotiva, situando la escena como ejemplo decisivo de la fuerza y el erotismo barroco.

La Amaltea con el niño Zeus (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1620) – Sala III

Escultura en mármol que representa a Amaltea, la mítica cabra que amamantó al niño Zeus. Bernini logra dotar al animal de asombroso realismo y expresividad, insuflando vida al mármol en una muestra de su pericia técnica y su capacidad de animar la piedra.

Bustos de Scipione Borghese (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1625) – Sala IV

Serie de bustos en mármol que retratan al mecenas Scipione Borghese. Con un gran realismo, estos retratos enfatizan los rasgos y la personalidad del protagonista, subrayando el prestigio de la familia Borghese y la sofisticación de la escultura barroca.

La Verdad (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1620) – Sala XIV

Escultura en mármol que encarna el ideal de la Verdad, símbolo de pureza moral e intelectual. Con una composición equilibrada y un tallado minucioso, la obra transmite autenticidad y sinceridad, reflejando en la escultura el valor ético.

Busto de Papa Pablo V (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1620) – Sala IV

Un busto en mármol que representa sobriamente al papa Pablo V. Destaca la precisión en el modelado del rostro y los ropajes, resaltando la grandeza del pontífice y la destreza de Bernini para capturar la esencia y la relevancia histórica de su modelo.

Joven con canasta de frutas (Caravaggio, 1593–1594) – Sala VIII

Un óleo sobre lienzo en el que se ve a un muchacho portando una canasta de frutas. Con su característico claroscuro dramático, Caravaggio transmite al sujeto una presencia vehemente y realista, convirtiendo la escena cotidiana en un momento de honda emoción.

El Baco enfermo (Caravaggio, 1593–1594) – Sala VIII

En este óleo, Caravaggio muestra a un Baco visiblemente afectado por la enfermedad. La cruda exposición de la fragilidad humana, acentuada por fuertes contrastes de luz y sombra, ejemplifica la habilidad del artista para representar la vulnerabilidad humana con realismo e intensidad.

Madonna de los Palafreneros (Caravaggio, 1605–1606) – Sala VIII

Óleo sobre lienzo que presenta a la Virgen María junto a los palafreneros, personajes que subrayan su función protectora y sagrada. La luz intensa y el realismo de Caravaggio otorgan a la obra una profunda carga espiritual, haciéndola rápidamente reconocible.

San Jerónimo escribiendo (Caravaggio, 1605–1606) – Sala VIII

Un óleo que retrata al santo San Jerónimo en pleno acto de redactar, símbolo de la búsqueda del conocimiento y la contemplación espiritual. El nivel de detalle y el claroscuro transmiten la concentración y la seriedad del personaje, evocando una atmósfera de introspección.

San Juan Bautista (Caravaggio, 1609–1610) – Sala VIII

Pintura al óleo que muestra al Bautista en un sermón apasionado. La iluminación penetrante y el marcado realismo de los detalles destacan el carisma del profeta, demostrando la faceta innovadora de Caravaggio en la representación sacra.

Leda con el cisne, copia de Leonardo da Vinci (Cesare da Sesto, ca. 1515–1520) – Sala III

Óleo concebido como reinterpretación del famoso original de Leonardo da Vinci, en el que Leda aparece con un cisne, simbolizando la intervención divina. Aunque su valor procede sobre todo de la adaptación de una temática icónica, mantiene un estilo elegante característico del Renacimiento italiano.

Dánae (Correggio, ca. 1531) – Sala III

Un óleo que evoca el momento mitológico de Dánae. Destaca por su atmósfera cálida y la sensualidad de la figura, muestra de la destreza de Correggio para conjugar el misterio con la belleza en un cuadro cautivador.

Venus y Cupido con la colmena de miel (Lucas Cranach el Viejo, ca. 1531) – Sala IX

Un óleo sobre tabla en el que aparecen Venus y Cupido, aludiendo a la dulzura y la sensualidad. Su composición armónica y la paleta sutil vuelven la obra reconocible, combinando mitología con el sello característico del Renacimiento alemán.

Melissa (Dosso Dossi, ca. 1522–1524) – Sala XV

Óleo que representa a la figura mitológica Melissa en una composición llena de color y dinamismo. Dosso Dossi imprime vivacidad y ligereza, reinterpretando con elegancia los mitos clásicos desde un lenguaje que anticipa las pautas del Manierismo.

El cantor apasionado (Giorgione, ca. 1508–1510) – Sala XX

Óleo sobre tabla que muestra a un joven cantante concentrado en la música. La luz suave y la atmósfera poética componen una escena delicada, emblema de la innovación del primer Renacimiento veneciano y de la sutileza emocional de Giorgione.

El flautista (Giorgione, ca. 1508–1510) – Sala XX

Óleo que retrata un momento íntimo de música, con un joven flautista en un entorno onírico y luminoso. La armonía de los tonos y la composición equilibrada transmiten la impronta típica de Giorgione, marcado por una visión poética del arte.

La Virgen con el Niño entre los santos Flaviano y Onofrio (Lorenzo Lotto, 1506) – Sala IX

Óleo sobre tabla que presenta a la Virgen con el Niño, flanqueada por los santos Flaviano y Onofrio. La composición sagrada y el cuidado en los detalles comunican una honda espiritualidad, reflejando la sensibilidad de Lotto al abordar temas religiosos con calidez y precisión.

Retrato de caballero (Lorenzo Lotto, ca. 1535) – Sala IX

Un óleo que muestra a un caballero con especial atención a su carácter y personalidad. Su minuciosidad y la sobriedad compositiva lo convierten en un notable ejemplo del retrato renacentista, capaz de transmitir elegancia e introspección.

Retrato del Pianerlotto (Parmigianino, ca. 1531) – Sala IX

Óleo en el que Parmigianino recurre a líneas alargadas y suaves gradaciones. Como expresión del Manierismo, la obra destaca por su elegancia formal y su sutil uso de la luz, reflejando de inmediato la estética típica de la época.

Crucifijo entre san Jerónimo y san Cristóbal (Pinturicchio, ca. 1475) – Sala IX

Óleo que representa el Crucifijo junto a san Jerónimo y san Cristóbal. El equilibrio en la disposición y los minuciosos detalles infunden una profunda espiritualidad, característica de la tradición umbra del Quattrocento y del talento narrativo de Pinturicchio.

Tobías y el ángel (Savoldo, ca. 1527) – Sala XX

Óleo que muestra a Tobías en compañía de un ángel en un instante de marcada espiritualidad. Su paleta delicada y su composición íntima generan una atmósfera contemplativa, revelando con sutileza el vínculo entre lo divino y lo humano.

La huida de Eneas de Troya (Federico Barocci, ca. 1580) – Sala VI

Óleo que narra la dramática huida de Eneas de las ruinas de Troya. Barocci logra plasmar el heroísmo y la angustia del protagonista mediante una composición dinámica y un colorido vibrante, adentrándonos en un reconocido episodio mitológico.

José vendido por sus hermanos (Bacchiacca, ca. 1520) – Sala IX

Un óleo que relata el momento bíblico en que José es traicionado y vendido por sus hermanos. Destaca la composición que acentúa la aflicción y la amargura de la escena, simbolizando la traición dentro del ámbito familiar.

El arresto de los hermanos de José (Bacchiacca, ca. 1520) – Sala IX

Aquí, Bacchiacca muestra la escena en que se arresta a los hermanos de José, resaltando el instante de justicia divina. Los gestos tensos y las expresiones realistas transmiten la intensidad del episodio, un vivo ejemplo de la narrativa renacentista.

La búsqueda de la copa robada (Bacchiacca, ca. 1520) – Sala IX

Óleo que capta la ansiedad de la búsqueda de una copa sustraída. El planteamiento enfatiza las expresiones y los movimientos de los personajes para dirigir la atención hacia el foco narrativo, con un manejo magistral de la iluminación.

Hallazgo de la copa robada en el saco de Benjamín (Bacchiacca, ca. 1520) – Sala IX

Óleo sobre tabla que representa el momento sorprendente en que se encuentra la copa robada en el saco de Benjamín. La escena resalta el contraste entre la confusión y la sensación de alivio del hallazgo, reforzada por la forma en que se manejan los volúmenes y la luz para subrayar el clímax narrativo.

Estas obras representan solo una parte de la gran riqueza de la Galería Borghese, que continúa siendo un lugar clave para los amantes del arte y la historia en todo el mundo.

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Este inmenso patrimonio fue posible gracias al enriquecimiento progresivo con obras maestras desde el Renacimiento hasta el siglo XX. El complejo de museos del Vaticano, con 54 museos en total y 70.000 obras, de las cuales solo 20.000 en exhibición, se distribuye en 1.400 salas, capillas y galerías, y es el guardián de un legado extraordinario de obras maestras, belleza e historia, así como un lugar simbólico. del diálogo entre culturas y religiones.

Historia

antigüedad

Uno de los papas más cultos de la iglesia, el Papa Niccolò V , en el primer año de su pontificado, 1447, decidió que su capilla privada fuera pintada al fresco por fray Giovanni da Fiesole, nacido Guido di Pietro, conocido como Beato Angelico .

El célebre pintor franciscano pintó un ciclo de frescos sobre la vida de los santos Esteban y Lorenzo dando vida a la creación de la Capilla Niccolina , primer núcleo de los futuros Museos Vaticanos.

En 1470, el Papa Sixto IV comenzó a trabajar en la famosa Capilla Sixtina construida por el arquitecto Giovanni dei Dolci , encargando las decoraciones a importantes artistas del Renacimiento como Botticelli y Perugino que pintaron los frescos en las paredes.

El Papa Alejandro VI (Borgia), sucesor de Niccolò V, siguió su ejemplo y para su apartamento en el Palacio Apostólico, confió la tarea de decorar su capilla privada al pintor Bernardino di Betto, conocido como Pinturicchio, quien en 1494 completó un encantador ciclo de frescos en las distintas salas.

Museos Vaticanos: el nacimiento

Pero quien es considerado el verdadero fundador de las Colecciones Vaticanas es el Papa Julio II Della Rovere quien en 1506, con cambios significativos, trajo como dote su enorme colección privada de esculturas clásicas, colocándolas en el Patio de las Estatuas, hoy Patio Octogonal .

Luego agregó otras obras al palacio comprando las esculturas antiguas más famosas de la época para crear el Patio Belvedere , cuyo proyecto confió a Donato Bramante .

El evento más importante del Papa Julio II en 1508 fue la decisión de pintar al fresco el techo de la Capilla Sixtina dando la asignación a Miguel Ángel, quien los creó de 1508 a 1512 representando hechos y personajes del Antiguo Testamento.

El Papa Pablo III completó el ciclo de decoraciones encargando a Miguel Ángel el fresco del Juicio Final en el muro oeste detrás del altar, una larga obra realizada en el período de 1534 a 1541.

El Papa Sixto V fue el último en realizar grandes proyectos de construcción, encargando la tarea al arquitecto Domenico Fontana incluyendo la nueva sede de la Biblioteca Apostólica y el nuevo palacio papal que es la actual residencia del Papa.

El edificio fue terminado durante el pontificado de Clemente VIII  por Taddeo Landini , a quien debemos la espléndida Sala Clementina , decorada por Giovanni y Cherubino Alberti y Paolo Bril . En 1580, el Papa Gregorio XIII encargó la Galería de Mapas en el lado oeste del patio Belvedere.

Desde el siglo XVII hasta la actualidad

La Scala Regia, una de las obras maestras más importantes de Gian Lorenzo Bernini, fue la única gran obra del siglo XVII construida en el Palacio Apostólico, bajo Alejandro VII y conecta la Basílica de San Pietro con las salas de Rafael y la Capilla Sixtina.

En 1807, por el escultor clásico Antonio Canova , se inició la construcción del Museo Chiaramonti , compuesto por la Galería Chiaramonti, la Galería Lapidaria y el Braccio Nuovo. El Papa Gregorio XVI abrió en 1837 el Museo Etrusco con hallazgos de excavaciones de Etruria y en 1839 el Museo Egipcio con excavaciones y monumentos de Egipto.

El regreso definitivo del Papa al Palacio Apostólico en el Vaticano solo tendrá lugar con Pío IX (1846-1878) tras la unificación política de Italia y la toma de Roma en 1870.

inauguración

Aunque el Papa Julio II otorgó solo a artistas, nobles y eruditos el privilegio de admirar algunas obras maestras de arte exhibidas en el Palazzetto del Belvedere (ahora parte del Museo Pio-Clementino), los Museos Vaticanos solo estuvieron abiertos al público en 1771 a instancias del Papa Clemente XIV .

Qué ver: los museos

Los Museos, antes de contar la historia de las prestigiosas colecciones, simbolizan las salas representativas de los papas que se han sucedido a lo largo de los siglos. La inmensa colección acumulada por la Iglesia Católica Romana cuenta con algunas de las esculturas romanas más famosas y las mayores obras maestras del arte renacentista del mundo.

Galería de imágenes del Vaticano

En las 18 grandes salas de la Pinacoteca Vaticana, una de las pinacotecas de arte más importantes de Europa, se pueden admirar las obras maestras del arte del período comprendido entre los siglos XI y XIX. Naturalmente, el espacio predominante está dedicado al Renacimiento con los artistas que más lo han distinguido.

Hacia finales del siglo XVIII, el Papa Pío VI dio vida a la colección con solo 118 magníficas pinturas, algunas de las cuales fueron trasladadas por Napoleón a París para el Tratado de Tolentino (1797). Tras la caída de Napoleón en 1817, las pinturas volvieron a la posesión de la Iglesia también gracias al compromiso del escultor Antonio Canova. de ahí la idea de montar una galería de arte moderno abierta al público.

El Papa Pío XI en 1932, con el objetivo de realzar y dar a conocer el enorme patrimonio histórico-artístico de los papas, inauguró la nueva pinacoteca creada por el arquitecto Luca Beltrami con obras que van desde la Edad Media hasta el 1800.

En los años siguientes la colección siguió ampliándose con donaciones de particulares y compras, llegando al núcleo actual de 460 lienzos, divididos cronológicamente y según la escuela: de los llamados Primitivos del siglo XII al XIX.

Grandes artistas de la historia del arte italiano están presentes en la colección con sus obras maestras: Giotto , Beato Angelico , Perugino , Pinturicchio , Raffaello , Giovanni Bellini , Leonardo , Tiziano , Veronese , Caravaggio , Peter Wenzel  y los tapices de Pieter van Aelst .

Entre las pinturas más famosas mencionamos:

• Giotto: Políptico de Stefaneschi
• Rafael: Virgen de Foligno, Pala Oddi y Transfiguración
• Leonardo da Vinci: San Jerónimo en el desierto
• Caravaggio: El entierro de Cristo
• Perugino: Virgen y Niño con Santos y Resurrección de San Francesco al Prato
• Filippo Lippi: The Marsuppini Conoration , temple sobre madera
• Olivuccio di Ciccarello: Obras de misericordia
• Jan Matejko: John III Sobieski libera Viena del asedio de los turcos, el cuadro más grande de los museos.

Museo Pio-Clementino

Fundado por el Papa Clemente XIV en 1771 y ampliado de 1775 a 1799 por su sucesor Pío VI, el museo se originó para mejorar y promover las obras de arte griegas y romanas más importantes del Vaticano.

Es el mayor de los museos vaticanos con sus catorce salas de exposiciones, divididas en dos niveles que presentan obras y hallazgos arqueológicos desde el siglo III a.C. hasta el siglo XIX. Entre las estatuas más famosas: Apolo del Belvedere , una copia romana en bronce basada en el original griego, que probablemente fue realizada por Leocares (330-320 a.C.) y los Apoxiomenos (siglo I d.C.), en mármol, copia romana de un original. bronce de Lisipo (tercer cuarto del siglo IV a. C.).

La obra más famosa del museo, que se encuentra en 1506 entre las ruinas de las Termas de Tito en Roma es el Grupo Escultórico de Laocoonte, una copia romana del siglo I d.C. del original griego en bronce del siglo II a.C., de Aghesander , Polidoro. y Athenodoro , escultores de Rodas.

La excepcional obra maestra ganó la admiración de Miguel Ángel, quien la definió como «una maravilla del arte» y fue comprada por el Papa Julio II para el Vaticano. El itinerario del museo parte de la Sala de la Cruz Griega y se completa con la Galería de los Candelabros según este orden:

• I Sala a Croce Greca : Sarcófago de Santa Elena, Sarcófago de Costanza ambos en pórfido rojo
• II Sala Redonda : Colosal estatua de Antinoo (130 d.C.), Estatua de la diosa Deméter en mármol, Colosal cabeza de Adriano (principios del siglo II), Colosal estatua de Hércules
• III Sala de las Musas : Belvedere Torso (siglo I a.C.), Estatuas de la Musa Talia, la Musa Calíope, Apolo tocando la lira (siglo III a.C.), todo en mármol.
• IV Sala de los Animales : Grupo escultórico con Centauro marino, Estatua de Meleagro (150 a. C.), Grupo escultórico con Mitra matando al toro primigenio (siglo II d. C.), todo en mármol. Estatua de jaguar (1795) en alabastro
• V Gallerie delle Statu e: Estatua de Ariadna dormida, (siglo II a.C.), Pareja de candelabros (siglo II d.C.), Eros di Centocelle, (siglo IV a.C.), Estatua de Apolo sauroktonos, Estatua de una Amazona herida, Copia romana del urinario de bronce griego de Fidias (330 a. C. aprox.), dedicado a la Artemisa de Éfeso.
• VI Salón de los Bustos : Estatua de Júpiter Verospi (siglo III d.C.), Retrato de Menelao con casco de desfile (siglo II), Retrato de Julio César (30-20 a.C.), Busto de Trajano (108-111 d.C. aprox. ), Retrato de Antonino Pío (148 d. C. aprox.), Busto de Marco Aurelio (164-166 d. C. aprox.), Busto de Cómodo de veinte años (180 d. C. aprox.), Retrato de Caracalla, todas obras en mármol
• VII Gabinete de las Máscaras : Estatua de Venus agachada, (siglo III a.C.)., Estatua de mármol de Afrodita Cnidia (mediados del siglo IV a.C.), realizada por Praxiteles, Grupo Escultórico de las Tres Gracias (siglo II d.C.)
• VIII Patio octogonal : Apolo de Belvedere (130-140 d.C.), estatua reclinada del dios del río (siglo II d.C.), grupo escultórico del Laocoonte con sus hijos envueltos en las bobinas de dos serpientes (primera mitad del siglo I d.C.), estatua de Hermes (principios del siglo II d.C.), Estatua de Venus feliz (170 d.C.), Estatua de Perseo triunfante con la cabeza de Medusa (1800-1801), de Antonio Canova, Sarcófago con general romano y sármatas (180 d.C.) , todo funciona en marmol.
• IX X, Vestíbulo redondo y Gabinete de los Apoxiomenos : Estatua de los Apoxiomenos (siglo I d.C.), en mármol, Copia romana de un original en bronce de Lisipo (siglo IV a.C.), Retrato del llamado «Ennio» con la cabeza rodeada de una corona de laurel (mediados del siglo II a.C.), Ara Casali (principios del siglo III d.C.) con escenas de leyendas romanas y troyanas
• Vestíbulo XI : aquí se encuentra una de las entradas a la Scala del Bramante (principios del siglo XVI), construida por el Papa Julio II, para crear una entrada exterior al edificio. De particular interés: Relieve con birreme de guerra, en mármol.
• XII Vestíbulo Cuadrado : Sarcófago de Lucio Cornelio Scipione Barbato (mediados del siglo III a.C.), en nephro (variedad gris de toba)
• XIII Sala della Biga : Cassa di biga (I sec. DC), en marmo, Discobolo (II sec. DC), copia romana da un originale bronzeo che di Mirone (560 – 550 aC)
• XIV Galería de Candelabros : Sarcófago con relieves con escenas del mito de Protesilaos (170 d.C.), Pareja de candelabros (principios del siglo II d.C.), Sarcófago con relieves que representa la Masacre de los Niobidas (160 d.C.), Estatua de un niño estrangulando al Ganso, Tyche (Fortuna) de Antioquía en el Orontes, sentada sobre la roca, Estatua de Atalanta (siglo I aC), atribuida a Praxiteles, Estatua de un guerrero persa, todas obras en mármol.

Museo Cristiano Pio

Las obras expuestas en el Museo Pio Cristiano que alberga sarcófagos y estatuas datadas entre los siglos II y V d.C. proceden del palacio de Letrán, residencia papal hasta 1304. Su fundación en 1854 fue obra del Papa Pío IX que decidió crear unas años después del inicio de las excavaciones encomendadas a la Comisión de Arqueología Sagrada.

El museo se divide en dos grandes secciones: la sección que muestra los monumentos arquitectónicos, escultóricos y mosaicos, y la sección que recoge material epigráfico, dividido por edad y temática.

El hallazgo arqueológico más famoso del Museo Cristiano Pío es la estatua del » Buen Pastor con Cordero «, fechada hacia 300-350. AD realizado por un escultor anónimo. La escultura de mármol blanco se encontró en las Catacumbas de San Calisto y es la estatua de Jesucristo más antigua del mundo, la primera representación de Cristo.

La obra representa a un joven pastor de pelo largo y rizado con túnica sin mangas, bandolera y un cordero al hombro. La estatuilla es la única pieza encontrada de un bajorrelieve originalmente decorado en un sarcófago particularmente rico.

El Museo Arameo

El Museo Chiaramonti toma su nombre del Papa Pío VII (Barnaba Niccolò Chiaramonti), quien encargó el proyecto a Antonio Canova y fue inaugurado en 1807. Los cánones para la ordenación de las obras fueron establecidos por el mismo Canova, quien aspiraba a exhibir conjuntamente las tres artes hermanas :

• escultura
• arquitectura
• pintura

La sección de la escultura está llena de kilómetros de artefactos antiguos, que incluyen retratos de emperadores, divinidades, frisos y relieves de sarcófagos. La sección de arquitectura caracterizada por las estanterías obtenidas a partir de marcos arquitectónicos antiguos y la pintura en el ciclo de frescos ejecutados por jóvenes artistas de la época con el propio Canova como mecenas.

Hay tres galerías que componen el museo:

• La Galería Chiaramonti
• El nuevo brazo
• La Galería Lapidaria

La colección de la galería Chiaramonti, una gran construcción arqueada, contiene alrededor de mil esculturas, retratos imperiales, sarcófagos y frisos. Una columnata de 300 metros de largo y 6,70 metros de ancho, diseñada por Bramante, tiene obras de mármol del Imperio Romano a ambos lados del largo corredor, en su mayoría copias de originales griegos. Heracles con su hijo Telephus, Dionysus con Satyr, una copia del Niobe encapuchado.

El Braccio Nuovo alberga estatuas famosas, retratos imperiales y copias romanas de originales griegos famosos en los 28 grandes nichos arqueados a cada lado, 15 nichos rectangulares para estatuas y 32 pedestales para bustos. La bóveda de cañón, decorada con rosetas de estuco, se intercala con 12 ventanas que iluminan las obras de arte expuestas. Destacan la colosal estatua del Nilo, una copia romana de esculturas griegas del siglo I d.C. y la estatua de Augusto encontrada en Prima Porta, una copia romana de Doríforo , basada en el original del escultor griego Polycletus (440 a.C.) y dos espléndidos pavos reales en bronce dorado.

En la Galería Lapidaria se encuentra la colección más grande de este tipo en el mundo. Hay unas 3400 «páginas» grabadas en losas, piedras, altares, sarcófagos del I a. C. hasta el siglo VI d.C. C. distribuidos en 48 paredes según el tema: religión, emperadores, ejército, profesiones, familia, cristianismo, etc… La galería es una fuente inestimable para conocer el mundo antiguo, los pueblos, las naciones, las clases sociales y las relaciones internacionales.

Museo Egipcio Gregoriano

Los vestigios de los antiguos faraones adquiridos por los papas a finales del siglo XVIII se encuentran en habitaciones decoradas por el escultor-pintor Giuseppe De Fabris en estilo retro egipcio.

Fue el Papa Gregorio XVI quien fundó el Museo Egipcio Gregoriano en 1839. La estructura alberga monumentos y hallazgos del antiguo Egipto provenientes en parte de Roma y Villa Adriana cerca de Tivoli, así como los ricos hallazgos y estatuas que habían sido transportados a Roma durante la regla de los emperadores.

El Museo ocupa nueve salas de las cuales las dos últimas casas se encuentran en la antigua Mesopotamia y Siria-Palestina. La segunda sala tiene unos sarcófagos de momias pintadas, joyas y otros adornos funerarios. Las preciosas estatuas de basalto negro de una fuente que decoraba la villa del emperador Adriano se encuentran en la tercera sala.

En la sala 5 hay maravillosas estatuas de faraones, reinas y dioses que datan del siglo XXI aC Esculturas, inscripciones y relieves de la antigua Asiria, Anatolia y otras culturas de Oriente Medio se encuentran en las otras salas.

Museo etrusco gregoriano

El Museo Etrusco Gregoriano, fundado por el Papa Gregorio XVI en 1837, presenta hallazgos arqueológicos del sur de Etruria, como jarrones y bronces de la Italia helenizada con hallazgos de la época romana. La colección también incluye una gran colección de artefactos descubiertos en 1828 durante las excavaciones realizadas en los sitios de algunas de las ciudades más importantes de la antigua Etruria y en las tumbas cerca de Vulci.

En las salas es posible admirar los ciclos pictóricos originales del siglo XVI, incluidos los frescos de los pintores Federico Barocci y Federico Zuccari, Santi di Tito y Niccolò Circignani conocido como Pomarancio , así como murales al temple de gran interés que datan de finales del siglo XVIII.

El famoso Marte de Todi es una figura de bronce a la cera perdida técnicamente perfecta, pero aún no está en los niveles de burbuja de los modelos griegos sin igual. Es una de las raras reliquias de la antigua estatuaria itálica que ha sobrevivido hasta nuestros días y representa a un guerrero vestido con armadura y originalmente también con un casco que se ha perdido. Un ánfora griega muy famosa del pintor y ceramista Exekias que muestra a Aquiles y Ajax jugando a los dados.

Museo Etnológico

Las capillas

Hubo muchos papas que hicieron construir su propia capilla en los palacios habitados, un lugar privado de meditación y oración a menudo adornado con decoraciones y frescos invaluables hechos por artistas famosos de la época y decorado con reliquias y estatuas antiguas.

Entre estas capillas, la más famosa es la Capilla Sixtina, que cuenta con un ciclo de frescos único en el mundo tanto en las paredes como en la bóveda.

Capilla Sixtina

La Capilla Sixtina es una de las capillas del Palacio Apostólico y debe su nombre al Papa Sixto IV Della Rovere, quien la hizo construir utilizando los cimientos y los muros restantes de la antigua Cappella Magna , una sala fortificada de la Edad Media. El proyecto del arquitecto Baccio Pontelli tenía como objetivo utilizar las murallas medievales hasta un tercio de su altura.

La construcción se inició a principios de 1475 y las obras finalizaron en 1483. El edificio rectangular tiene 40,9 metros de largo, 13,4 metros de ancho y 20,7 metros de alto, mientras que el techo es de bóveda plana.

Los frescos de las paredes muestran, respectivamente, escenas orientales de la vida de Jesús y Moisés y fueron pintados por grandes pintores renacentistas como Sandro Botticelli , Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio , Cosimo Rosselli y Luca Signorelli .

La capilla ha ganado fama internacional, especialmente por los frescos pintados en la bóveda por Miguel Ángel Buonarroti de 1508 a 1512 por encargo del Papa Julio II, que representan episodios importantes del Antiguo y Nuevo Testamento .

Especialmente la escena más conocida e icónica » La creación de Adán » es una obra mundialmente famosa y frecuentemente reproducida. Muestre cómo Dios el Padre le da vida a Adán tocándolo con su dedo extendido. Los frescos se mostraron al público en noviembre de 1512 y representan escenas del Génesis en un total de 520 metros cuadrados pintados con 115 personajes reales.

Veinticinco años después de los frescos de la bóveda, el Papa Clemente VII le pidió al genio florentino que decorara la pared detrás del altar sacrificando las obras existentes de Perugino. Miguel Ángel creó así, de 1535 a 1541, El Juicio Final, pintando la gran muralla con 300 figuras, casi todos los varones y ángeles mostrados en su desnudez.

Puede obtener más información sobre la Capilla Sixtina en la página dedicada:

Capilla Niccolina

La Capilla Niccolina, una de las capillas del Palacio Apostólico, fue votada como lugar privado para la oración del Papa Nicolás V, quien la hizo pintar al fresco por Frate Beato Angelico quien usó el oro de las Américas como elemento decorativo en los ricos detalles arquitectónicos.

Los dos primeros mártires cristianos fueron el tema de los frescos, con San Pedro , San Lorenzo y San Esteban, siguiendo el relato bíblico de los Hechos de los Apóstoles. Desafortunadamente, la Deposición de Cristo, una vez colocada sobre el altar, se ha perdido , pero la mayoría de las obras del Fraile Angélico aún están bien conservadas, en particular las lunetas en los arcos de la sala y la maravillosa bóveda con los cuatro evangelistas.

La visita a la capilla no está incluida en los recorridos turísticos habituales, pero puede ser vista por grupos especiales con reserva.

Las habitaciones

Hay numerosas salas en los palacios del Vaticano que a lo largo de los siglos han sido casas de papas o estudios privados. Estos lugares siempre han albergado colecciones de pinturas o frescos. Entre las salas de los museos del Vaticano, las de Rafael son las más famosas.

Las habitaciones de Raphael

Construido por Rafael y sus alumnos entre 1508 y 1524, las cuatro habitaciones estaban dentro del apartamento en el segundo piso del Palacio Papal que el Papa Julio II della Rovere (1503 a 1513) había elegido como su residencia .

A la muerte de Julio II, solo se completaron dos de las habitaciones. Fue el Papa León X quien continuó el proyecto que, tras la muerte de Rafael en 1520, fue completado por sus asistentes Gianfrancesco Penni , Giulio Romano y Raffaellino del Colle, completando el ciclo de frescos en la Sala di Costantino. Las cuatro salas representan eventos históricos divididos de la siguiente manera:

• Salón de Constantino : con los frescos de la Visión de la Cruz, Batalla de POnte Milvio, Bautismo de Constantino, Donación de Roma, Triunfo de la religión cristiana
• Sala de Heliodoro : con los frescos de La expulsión de Heliodoro del templo, La misa en Bolsena, El encuentro de León el Grande y Atila, la Liberación de San Pedro
• Sala de la Segnatura : con los frescos de la Disputa del Santísimo Sacramento, El Parnaso, La escuela de Atenas,  Las virtudes cardinales
• Sala del fuego en el Borgo : con los frescos de El juramento de León III, La coronación de Carlomagno, Fuego en el Borgo, La batalla de Ostia.

Los apartamentos Borgia

Bernardino di Betto, también conocido como Pinturicchio, junto con sus asistentes recibió el encargo de diseñar los apartamentos privados del Papa Alejandro VI Borgia. El artista, describiendo leyendas e historias del Antiguo y Nuevo Testamento, pintó al fresco seis salas de 1492 a 1495. Las salas principales toman su nombre de los motivos de sus frescos:

• Habitación de las Sibilas
• Salón del Credo
• Sala de la Virgen
• Salón de los Santos

La decoración del siglo XVI de la Sala dei Pontifici es obra de Giovanni da Udine y Pierin del Vaga, discípulos de Rafael. El Papa León XIII después de una completa restauración de las habitaciones por parte del pintor Ludwig Seitz las abrió al público.

Hoy en día, parte de la colección de arte moderno se exhibe en el apartamento Borgia, aunque en la mayoría de estas salas hay una colección de arte religioso moderno encargada por el Papa Pablo VI en 1973. La colección incluye alrededor de seiscientas pinturas, esculturas y gráficos de Artistas italianos e internacionales como Gauguin , Chagall , Klee y Kandinskij .

La entrada monumental

Los Museos Vaticanos, siguiendo el ejemplo de los museos históricos como los Uffizi , el Louvre , el Prado y el Ermitage , se han organizado y estructurado como modelo de un gran sistema museístico desde finales de los años treinta para una correcta y fructífera recepción de visitantes.

Para visitar las espléndidas colecciones de arte, arqueología y etnología creadas por los diferentes papas a lo largo de los siglos, en febrero de 2000 se abrió otra entrada con el escudo de armas del Papa Pío XI flanqueado por las estatuas de Rafael y Miguel Ángel, en el al norte de las murallas del Vaticano, junto a la antigua en viale del Vaticano, no muy lejos de la antigua del patio de San Dámaso.

Para facilitar la salida del enorme flujo de visitantes diarios del complejo del museo se encuentra la futurista escalera de caracol de doble caracol con su barandilla diseñada por el arquitecto Giuseppe Momo en 1932, embellecida por los relieves de bronce creados por el escultor romano. Antonio Maraini .

Cómo llegar:
Metro A (parada Ottaviano y Cipro) – BUS 34, 46, 64, 98, 190F, 881, 916, 916F, 982, N5, N15, N20 (parada Cavaleggeri / San Pietro) 590 (parada Risorgimento) 23, 492, N11 (parada Risorgimento / Porta Angelica) 23, 49, 492, 982, 990, N10 (parada Crescenzio / Risorgimento) 32, 81 (parada Risorgimento) 49 (parada Viale Vaticano / Museos Vaticanos) 31, 33, 180F, 247 (Parada Cipro / Metro A) 23, 492 (parada Bastioni di Michelangelo) – Tranvía 19 (parada Risorgimento / San Pietro) – FL3, FL5 (estación Roma San Pietro).

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